Aquí te guiaremos por los mejores cineastas de la historia, directores excepcionales y creativos en su área de trabajo. ¡No te los puedes perder!

La cinematografía es, en muchos sentidos, un trabajo ingrato. Todo el mundo sabe cuál es su propósito básico. Lo importante que es él para la película y cómo las imágenes visuales son a menudo las más memorables. Sin embargo, a muchos les costaría nombrar siquiera a un director de cinematografía y por está razón aquí nombramos varios de ellos como los Mejores cineastas.

En la historia del cine, el papel del director de cinematografía es a menudo olvidado, y sin embargo ha sido tan importante e influyente como los directores, guionistas y actores.

Para conmemorarlos, he aquí una lista de los diez directores de cinematografía más importantes e influyentes. Puede que también le guste nuestro Top 10 de obras maestras de la cinematografía.

 

1. Charles Rosher – 1885-1974

Charles Rosher fue un director de fotografía ganador de dos premios de la Academia que trabajó desde los primeros días del cine mudo hasta la década de 1950. Nacido en Londres, fue el primer director de fotografía en recibir un premio de la Academia, junto con el ganador de 1929, Karl Struss.

Rosher estudió fotografía en su juventud, pero se ganó una reputación temprana como camarógrafo de noticiarios, antes de trasladarse a Estados Unidos en 1909. Posteriormente encontró trabajo para David Horsley en su productora de Nueva Jersey.

Las primeras películas se limitaban a utilizar la luz del día. Horsley trasladó su productora a Hollywood en 1911, llevándose a Rosher con él. En ese entonces abrió allí el primer estudio cinematográfico. Esto convirtió a Rosher en el primer camarógrafo a tiempo completo de Hollywood.

En 1913 fue a México para filmar el noticiario de la rebelión de Pancho Villa. Para este mismo año, fue uno de los fundadores de la Sociedad Americana de Cinematógrafos y ejerció de primer vicepresidente del grupo. Dentro la década de 1920 fue uno de los directores de fotografía más solicitados de Hollywood y uno de los de estrellas como Mary Pickford.

Su trabajo con Karl Struss en la película de F.W. Murnau Amanecer, de 1927, se considera un hito de la cinematografía.

Además, Rosher recibió dos Medallas Eastman (en honor a George Eastman), la Medalla de Oro de la revista Photoplay y la única beca concedida por la Sociedad de Ingenieros Cinematográficos: Sunrise (1927), The Affairs of Cellini (1934).

También, Little Lord Fauntleroy (1936), The Yearling (1946). Y además , Annie Get Your Gun (1950), Show Boat (1951).

 

2. James Wong Howe – 1899-1976

James Wong Howe tiene en su haber más de 130 películas, que abarcan desde la época muda hasta el color. Durante las décadas de 1930 y 1940 fue considerado uno de los directores de fotografía más solicitados de Hollywood.

Fue nominado a diez premios de la Academia por su fotografía y ganó dos veces. Además de ser uno de los primeros directores de fotografía en utilizar el enfoque profundo, Howe fue pionero en las técnicas para aumentar los ojos en la película en blanco y negro.

También lo fue en las primeras técnicas de dolly, en las técnicas de cámara en mano y en el rodaje con fuentes de luz inusuales, como la luz de las velas en The Molly Maguires. De los grandiosos y Mejores cineastas.

El clip es una nítida y hermosa fotografía en blanco y negro de Hud, por la que Howe ganó un Oscar.Películas notables: El hombre delgado (1934), Argel (1938).

También, Yankee Doodle Dandy (1942), El tatuaje de la rosa (1955), Sweet Smell of Success (1957). Y además, El viejo y el mar (1958), Hud (1963), Funny Lady (1975).

 

3. Conrad L. Hall – 1926-2003

A partir de películas como “Cool Hand Luke” y “Butch Cassidy and the Sundance Kid”, Hall contribuyó a liberar los enfoques de la filmación haciendo, como dice Sight and Sound, “que los errores sean una virtud“.

Errores como la incidencia del sol en el objetivo, la suciedad en la lente u otras aparentes distracciones en el pasado habrían obligado a volver a rodar. Sin embargo, el enfoque de Hall ejemplificó la nueva ola del cine estadounidense y ayudó a establecer un modelo para las películas independientes con garra.

Sin embargo, Hall también demostró que podía hacer fotos más “prístinas“, fotografiando películas como American Beauty más adelante en su carrera. Ganó su primer Oscar en 1969 por Butch Cassidy y Sundance Kid, y tuvo que esperar 30 años para el siguiente, por American Beauty.

Este haciendo parte de los Mejores cineastas tuvo su  tercer Oscar que le fue concedido a título póstumo por Camino a la perdición. Además, fue nominado otras siete veces a lo largo de su vida.

Arriba, una divertida escena de Butch Cassidy y Sundance Kid, por la que Hall ganó un Oscar.Películas destacadas: Cool Hand Luke (1967), A sangre fría (1967).

También, Butch Cassidy y Sundance Kid (1969), El día de la langosta (1975), American Beauty (1999). E igualmente, Camino a la perdición (2002).

 

4. Christopher Doyle – Nacido en 1952

Aunque nació en Australia, Doyle se dio a conocer fotografiando películas asiáticas, especialmente la obra del director hongkonés Wong Kar-Wai.

Su trabajo con el director, especialmente las películas Chungking Express, In the Mood for Love y 2046, es alabado por sus vívidas salpicaduras de colores y su alta saturación. A este personaje se le considera uno de los arquitectos más importantes del cine de la Nueva Ola Asiática.

También es uno de los pocos directores de fotografía “superestrella“, cuya reputación es a menudo superior a la de los directores con los que trabaja.

Arriba hay un fragmento de la película Hero, en la que la atención de Doyle a los colores vivos fue crucial para la historia.Películas notables: Chungking Express (1994), In the Mood for Love (2000).

También, The Quiet American (2002), Hero (2002), Infernal Affairs (2002). Y además, 2046 (2002), Paranoid Park (2007). Uno de los Mejores cineastas favoritos.

 

5. Gordon Willis – Nacido en 1931 – Mejores cineastas

Apodado “El Príncipe de las Tinieblas” también en los  Mejores cineastas por su afición a utilizar negros intensos e interiores oscuros. Sobre todo en las películas de El Padrino, por las que es más conocido. Gordon Willis es famoso por su innovadora fotografía, que le ha valido dos nominaciones al Oscar y mucho respeto.

Su trabajo en las películas de El Padrino es legendario, y sus innovaciones incluyen el uso pionero de los cálidos y difusos brillos de ámbar para representar escenas nostálgicas del pasado en El Padrino Parte II, y la recreación única de la fotografía de los años 20 para Zelig de Woody Allen.

Arriba hay un clip que muestra a Gordon Willis (y otros) discutiendo la cinematografía de El Padrino.Películas notables: El Padrino (1972), El Padrino Parte II (1974).

También, Todos los hombres del presidente (1976), Zelig (1977), Manhattan (1979), Zelig (1983), El Padrino Parte III (1990).

 

6. Gregg Toland – 1904-1948

De los Mejores cineastas, Gregg Toland no estuvo mucho tiempo entre nosotros, pero es un mérito de su brillantez que sea tan venerado hoy en día. Toland fue nominado cinco veces al Oscar a la mejor fotografía durante un periodo dorado de siete años que duró de 1936 a 1942. No obstante en su colaboración con Orson Welles en Ciudadano Kane lo que más se recuerda.

Aunque no creó la cinematografía de enfoque profundo, la perfeccionó en Ciudadano Kane, permitiendo que los personajes en primer plano y en segundo plano estuvieran enfocados al mismo tiempo.

De hecho, gran parte del genio visual y cinematográfico de la película –ángulos bajos, alto contraste, sombras oscuras-, aunque a menudo se atribuye a Welles, fue en gran parte obra de Toland. Welles reconoció más tarde que Toland le aconsejaba sobre la colocación de la cámara y los efectos de iluminación. Todo esto en secreto para que el joven director no se sintiera avergonzado frente al experimentado equipo.

Tan en deuda estaba con el trabajo de Toland, que Welles insistió en que sus nombres aparecieran juntos en los créditos finales. Más tarde, Toland trabajó en Song of the South, de Disney, que combinaba la acción real con la animación.

En el video de arriba hay un ejemplo de enfoque profundo en Ciudadano Kane. Algunas peliculas notables: Cumbres borrascosas (1939), Las uvas de la ira (1940).

También, El largo viaje a casa (1940), Ciudadano Kane (1941), Qué verde era mi valle (1941), Canción del sur (1946).

 

7. Sven Nykvist – 1922-2006 – Mejores cineastas

Como director de fotografía elegido por Ingmar Bergman, a Nykvist se le encomendó la nada envidiable tarea de transformar las sorprendentes, y a menudo surrealistas, imágenes del autor sueco en realidad frente a la cámara.

A pesar de ello, Nykvist destacó por su sutileza y sencillez, favoreciendo la iluminación naturalista para complementar el estilo de narración lento y pausado de Bergman.

Nykvist no tenía pretensiones y a menudo se escondía detrás de su imponente director. Sin embargo, Nykvist fue reconocido por su trabajo con dos premios de la Academia por Gritos y susurros y Fanny y Alexander. Nykvist también trabajó con directores como Roman Polanski, Woody Allen y Andrei Tarkovsky.

Fue el primer director de fotografía europeo que se unió a la Sociedad Americana de Cinematógrafos, y recibió el premio Lifetime Achievement Award de la ASC en 1996. Fíjese en el notable desvanecimiento de la luz: La primavera virgen (1960), Persona (1966).

También, Gritos y susurros (1973), Fanny y Alexander (1982), El sacrificio (1986), La insoportable levedad del ser (1988).

 

8. Vittorio Storaro – Nacido en 1940

Vittorio Storaro (nacido el 24 de junio de 1940 en Roma) es un director de fotografía italiano ganador de tres premios de la Academia.

Es famoso por su trabajo en Apocalypse Now (su primer Oscar), donde Francis Ford Coppola le dio vía libre para fotografiar el aclamado aspecto visual de la película. Posteriormente, ganó el Oscar por “Rojos” y “El último emperador”. La cual fue dirigida por Bernardo Bertolucci, su colaborador más habitual.

Storaro es considerado un maestro de la fotografía con una sofisticada filosofía inspirada en gran medida en la teoría de los colores de Johann Wolfgang von Goethe. Este se centra en parte en los efectos psicológicos de los distintos colores y en la forma en que éstos influyen en nuestra percepción de las distintas situaciones.

Con su hijo, Fabrizio Storaro, creó el sistema de formato Univisium para unificar todas las futuras películas de cine y televisión en una relación de aspecto respectiva de 2,00:1. El clip es una escena de El cielo protector, que muestra posiblemente la más bella cinematografía del desierto jamás filmada.

Para ver esta escena con mucha más calidad (y en una versión más larga), vaya aquí. No le decepcionará en absoluto: El conformista (1970), El último tango en París (1972).

También, Apocalypse Now (1979), Rojos (1981), El último emperador (1987), El cielo protector (1990).

 

9. Sergei Urusevsky – 1908-1974 – Mejores cineastas

Aunque no es tan prolífico como otros de esta lista, Urusevsky se ha ganado un estatus casi mítico entre los directores de fotografía gracias a su trabajo con el director ruso Mikhail Kalatozov en películas como Soy Cuba y Las grullas vuelan.

Su combinación casi increíble de enfoque profundo, planos de seguimiento acrobáticos, perspectiva subjetiva y otros notables trucos cinematográficos estaba tan adelantada a su tiempo que no se vería en Occidente hasta más de una década después.

Desgraciadamente, sus colaboraciones con Kaltozov fueron enterradas en gran parte por la maquinaria de propaganda soviética. Sólo recientemente han sido restauradas gracias a reconocidos admiradores como Martin Scorsese y Francis Ford Coppola. Realmente de los Mejores cineastas

Su espectacular trabajo de cámara, que a menudo desviaba el foco de atención de la escena. Este fue defendido por Urusevsky, quien declaró: “Nunca me ha interesado, como camarógrafo, limitarme a registrar lo que ocurre delante de la cámara”. El clip anterior, muy celebrado, es quizá la escena más famosa del repertorio de Urusevsky. Un plano de seguimiento ballet de la apertura de I am Cuba, que muestra su original y contundente trabajo de cámara: El cuarenta y uno (1956), Las grullas vuelan (1957).

También, La carta no enviada (1959), Yo soy Cuba (1964).

 

10. Kazuo Miyagawa – 1908-1999

Miyagawa es posiblemente el director de fotografía más importante de la historia de Japón, ya que ha trabajado con todo un elenco de autores japoneses, como Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu y Kenji Mizoguchi.

Quizás sea más famoso por su trabajo en Rashomon, donde fue la primera persona en apuntar con una cámara directamente a la luz del sol (utilizando años de estudio sobre la exposición a la luz).

También es conocido por utilizar múltiples configuraciones de cámara para las escenas. Este es aclamado por su contraste de planos de seguimiento de gran alcance y primeros planos nítidos. Otras innovaciones de la película incluyen el uso de espejos para reflejar la luz natural y el uso de agua negra teñida como lluvia. Hacía que parezca más vívida en la cámara.

También fue un maestro de los géneros, trabajando en comedias (The Rickshaw Man), películas de samuráis (las películas de Zatoichi), así como supervisando a 164 camarógrafos y utilizando más de 234 objetivos diferentes para la Olimpiada de Tokio. A menudo comparada con Olympia, de Leni Riefenstahl, como uno de los mejores documentales sobre las Olimpiadas.

Algunos de los impresionantes trabajos de Miyagawa en Rashomon pueden verse en el clip. Películas notables: Rashomon (1950), Ugetsu (1953).

También, Sansho the Bailiff (1954), Floating Weeds (1959), Yojimbo (1961). Y además, Zatoichi (1964), Tokyo Olympiad (1965). De los Mejores cineastas.